Kama Sutra

• FSK 12

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"Das Beste -- der Film ist frei von Ken Branagh," frohlockte die englische Presse und adelte damit alle Shakespeare-Adaptionen, die nicht aus der Regie Branaghs stammten. Diese Kritik trifft den Schauspieler und Regisseur nicht ganz zu Unrecht, hat es doch noch immer den Anschein, als wolle Branagh im Schnelldurchgang Shakespeares gesammelte Werke auf die Leinwand bringen, immer mit sich selbt als dem einzig legitimen Interpret in der Titelpartie. Aber er ist nicht der Einzige, der die Bühnenstücke des wohl meist gespielten Dramatikers für die Leinwand aufbereitet. Othello gehört zu den Werken, die von Branaghs Umtriebigkeit (bisher) verschont blieben.

In dieser Fassung agiert er nur vor der Kamera, mimt den an intriganter Kraft kaum noch zu überbietenden Jago. Regie führte der damalige Newcomer Oliver Parker, und es scheint, als wolle er sich vor seinem berühmten Regiekollegen Branagh verneigen. Er lässt ihm jede nur erdenkliche Freiheit -- mehr als manchmal gut gewesen wäre. So entgleitet dessen Spiel allzu oft ins Aufdringliche und Possenhafte. Zuweilen scheint es, als sei die die Partie des Jago die zentrale Gestalt und die des Othello eine Nebenrolle.

Konventionell ist die Inszenierung und seltsam uninspiriert. Zu oft heftet sich die Kamera an die Personen, bindet sich an das Prinzip des abgefilmten Theaters mit wenig spektakulärem Bildarrangement. Einzig der heftige Konflikt zwischen Jago und Othello, den Parker an einen Strand verlagerte, besticht durch packende Bilder. Wenn Branagh und Fishburne aufeinander losgehen, der eine den anderen in den Wellen zu ertränken sucht, erreicht das Drama einen ersten und leider einzigen Höhepunkt.

Laurence Fishburne als Othello weiß dank seines hervorragenden Spiels Akzente zu setzen. Er gibt einen innerlich zerissenen Othello, eine eher labile Persönlichkeit, die sich fortwährend in die Enge gedrängt fühlt, jedoch den fatalen Hang zum Jähzorn in sich trägt. So ist die Katastrophe vorprogrammiert. Hinter Fishburnes Brillanz und Branaghs Dominanz kann sich Irene Jacob als Desdemona kaum entfalten, der Rest der Besetzung ist degradiert zur Staffage.

Auch wenn der Ausgang des Dramas hinlänglich bekannt ist, meint man doch, es könne sich noch zum Guten wenden. Man wartet in der berühmten Schlüsselszene förmlich auf den Moment, in dem Othello die Augen aufgehen, und er das schmutzige Spiel Jagos durchschaut. Aber Desdemona schweigt. Der Rest ist bekannt. --Stefanie Hartl-Prauser

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Ein Krieg um das Schicksal einer Nation
Ein Land, das um sein Schicksal kämpft
Eine Liebe, die niemals aufgibt

Im 17. Jahrhundert gilt das einstmals so unendlich weite Nordamerika bereits zu weiten Teilen als zwischen den Europäischen Kolonialmächten aufgeteilt. Genügten vormals Platz und Ressourcen für alle, bekriegen sich die europäischen Mächte nun um profitable Landstriche. So strebt nun die englische Krone die Vorherrschaft in Kanada an und versucht die französischen Kolonien an sich zu reißen. Hierbei schrecken die Engländer auch nicht vor einem Krieg zurück.

In dieser Zeit interessiert sich der junge François Le Gardeur wenig für die Politik der Kolonialmächte, ihn zieht es in die Natur zu den amerikanischen Ureinwohnern. Als er nach langer Zeit wieder in die Stadt zurückkehrt findet er seinen Vater inzwischen verstorben, sich selbst als Erbe eines Vermögens vor. Zudem verliebt er sich auf den ersten Blick in die schöne und recht eigensinnige Marie-Loup. Aber ihre stürmische Liebe steht unter einen schlechten Stern, denn nicht nur fordert der Krieg gegen England seine Opfer, auch der Hexenwahn greift um sich.

Mit Battle of the Braves (im Original: Nouvelle France) erschafft Regisseur Jean Beaudin im Jahre 2004 ein auf historischen Ereignissen basierendes bildgewaltiges Historienepos. Der Kolonialkrieg wurden im Laufe der Jahrhunderte immer wieder als Hintergrund für allerlei Romane und Erzählungen genutzt, wie sich auch einige Filme um den Englisch-Französischen-Kolonialkrieg in Kanada drehen. Waren diese aber hauptsächlich vom englischen Blickwinkel bestimmt, in denen die Franzosen als Barbaren auftraten, erzählt Battle of the Braves seine Geschichte um Liebe im Krieg aus dem Blickwinkel der französischen Kolonisten.

Dank Starbesetzung durch David La Haye, Noémie Godin-Vigneau sowie den wie immer grandiosen Gérard Depardieu erhält der Käufer dieser Disc ein monumentales Kostümepos, dem man das hohe Budget auch ansieht. Der Titelsong wird übrigens von Celine Dion dargeboten, der es ein persönliches Anliegen war, etwas zu diesem Film beizusteuern. Im auf der DVD vorhandenen Making Of sieht man sogar, wie sie bei der Vorführung des Filmes einige Tränen vergoss.

Mit einer Filmlänge von 138 Minuten, dem originalen Bildformat 1.85:1 im anamorphen Transfer, sattem Dolby Digital 5.1-Sound nebst einigen Extras bleiben keine Wünsche offen.

• Jahr: 1993
• Regie: Krzysztof Kieslowski
• Medium: DVD
• Laufzeit: ca. 277 Minuten
• Label: Concorde Home Entertainment

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KRZYSZTOF KIESLOWSKI zählt zu den angesehensten Regisseuren Europas. Mit seiner letzten Regie-Arbeit, der "Drei Farben"-Trilogie, inszenierte der gebürtige Pole sein eigenes Vermächtnis, in dem er die Ideale der französischen Revolution im Hier und Jetzt thematisierte.

Alle drei Filme wurden mit internationalen Preisen ausgezeichnet u.a.
BLAU: Goldener Löwe Venedig 1998 (Bester Film, Beste Darstellerin, Beste Kamera)
WEISS: Silberner Bär Berlin 1994 (Beste Regie)
ROT: Cesar Paris 1995 (Beste Musik)

Die Musik von Zbigniew Preisner und eine hochkarätige Besetzung (u.a. Oscar Preisträgern Juliette Binoche, Julie Delpy und Irène Jacob) veredeln die Trilogie zu einem einmaligen Meisterwerk der

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Drei Farben Blau
Dies ist der erste Teil einer Trilogie des inzwischen verstorbenen polnischen Regisseurs Krzysztof Kieslowski über die drei Farben der französischen Flagge, die symbolisch für Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit stehen. Er ist der düsterste der drei, ein Film der vom Gefühl des Schmerzes dominiert wird. Drei Farben Blau beginnt mit einem Verkehrsunfall, bei dem ein berühmter Komponist ums Lebens kommt. Seine Frau, gespielt von Juliette Binoche (die einen Oscar für Der englische Patient erhielt), versucht danach weniger, ihr altes Leben wieder zusammenzufügen, als sich eine vollkommen neue Existenz aufzubauen. Sie geht nach Paris, um ein wortkarges Leben fast ohne Kontakt zu anderen Menschen zu führen.

Kieslowski schreibt der Farbe Blau eine eher unterbewusste Bedeutung zu und konzentriert sich in erster Linie auf Binoches leuchtendes Gesicht und die Art, wie darin subtile Emotionen aufflackern und wieder verschwinden. Seine Bilder geben, stärker als in den Folgefilmen Drei Farben: Weiß und Drei Farben: Rot, Rätsel auf, doch Binoches stilles, herzzerreißendes Auftreten fesselt den Zuschauer. Für diese Rolle erhielt sie 1993 beim Filmfestival von Venedig die Auszeichnung als beste Schauspielerin. Einmalig schön ist auch die Musik von Zbigniew Preisner. --Robert Horton

Drei Farben Weiß
Dies ist der zweite Film der Drei Farben-Trilogie des genialen polnischen Regisseurs Krzysztof Kieslowski über die drei Farben der französischen Flagge, die für Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit stehen. Drei Farben: Weiß ist eine ironische Komödie in finsterer Tonart, randvoll mit dem bitterem Lachen der Verzweiflung, Ekstase, des Ehrgeizes und der Sehnsucht. Der heruntergekommene polnische Immigrant Karol Karol versucht verzweifelt, Frankreich zu verlassen. Er ist besessen von seiner französischen zukünftigen Ex-Frau (Julie Delpy ausBefore Sunrise), sein französisches Bankkonto wurde eingefroren und er hat die Ungerechtigkeiten, die ihm tagtäglich begegnen, einfach satt. Aus Geldmangel überredet er einen anderen Polen, ihn in einem Koffer mit nach Hause zu schmuggeln. Dieser Koffer wird am Flughafen gestohlen. Die frustrierten Diebe schlagen ihn und setzen ihn in einem verschneiten Steinbruch aus. Von da an kann es eigentlich nur noch besser werden, oder nicht? Die Geschichte entwickelt sich zu einer boshaft-komischen Anti-Liebesgeschichte, einem umgekehrten Romeo und Julia. Äußerst komisch und berührend. --Grant Balfour

Drei Farben Rot
Der letzte Teil der gefeierten Drei Farben-Trilogie des inzwischen verstorbenen polnischen Regisseurs Krzysztof Kieslowski (Drei Farben: Blau, Drei Farben: Weiß, Drei Farben: Rot) ist der am wenigsten eigenständige der drei und gewinnt durch die ersten beiden Teile eine gewisse Vertrautheit. Trotzdem ist Drei Farben: Rot ein starker, einzigartiger Film, der über die Allgegenwart von Bildern in der heutigen Welt nachdenkt und über die damit einhergehende Unterwerfung tiefer gehender Kommunikation.

Irène Jacob spielt ein Fotomodell, dessen bezauberndes Gesicht in riesiger Vergrößerung auf einem roten Plakat von jeder Anzeigetafel in Genf prangt. Als sie ein Verhältnis mit einem verbitterten Ex-Richter (Jean-Louis Trintignant) beginnt, der heimlich mit elektronischen Überwachungsgeräten die Gespräche seiner Nachbarn belauscht, wird das Model Zeugin der geheimen Leben derer, die wir zu kennen glauben. In Drei Farben: Rot bringt Kieslowski noch einmal die Hauptcharaktere aller drei Filme zusammen und erreicht so eine clevere Abrundung der Trilogie. --Tom Keogh

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Bei diesem Nachfolgeprodukt zum 1993er Kassenschlager Auf der Flucht handelt es sich um einen vollkommen überflüssigen Versuch, ein erfolgreiches Konzept zweimal auszuschlachten. Der Film vermeidet die Schublade "Fortsetzung", indem er ohne Harrison Ford, den Star des ersten Streifens, auskommt. Die Grundidee war es, die Rückkehr von Tommy Lee Jones in seiner Oscar-gekrönten Rolle als hartnäckiger Marshal Sam Gerard zu zeigen. Dieses Mal geht er gegen einen verdeckten Ermittler der Regierung vor, der des Mordes an zwei Geheimdienst-Attachés angeklagt ist.

Leider hat es Jones und die gesamte Besetzung in eine zerfranste Handlung verschlagen, und der Underdog-Status, der Ford zu solch einem faszinierenden Helden machte, ist einem ermüdenden Katz-und-Maus-Spiel mit ebenbürtigen Gegnern gewichen, dessen Schurken man viel zu früh erkennt. Der Film hat keinen dramatischen Aufbau, und diverse überflüssige Figuren lenken die Aufmerksamkeit von der eigentlichen Story ab. Im Vergleich zu den hohen Maßstäben, die der erste Film setzte, stellt dieser nur eine Routineübung dar. --Jeff Shannon

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